▲嚴眾蓮（舞團藝術總監）
怎樣才算得上是優秀的專業舞者？
那就必須掌握跳、編、教三方面的能力。
跳，是跳舞的技術和個人的表演魅力，都要達到一定的素質要求，而且不斷地精益求精，與時並進。
編，必須具備想像和創造力。為此必須多觀摩、多觀察、多思考，才能為作品帶來生命力。還需具備的其他技能包括：策劃、對音樂的認識、以及融匯各式舞蹈的審美等。
教，是能夠傳授舞蹈藝術，薪火相傳，生生不息，這是每一個舞者應有的責任。
第一項是基本要求，後兩項則是舞者的延伸技能，因為沒有人可以跳舞一輩子，擁有其他和舞蹈相關的技能，是為自己做最好的準備。
其他如人文素養也不可或缺，「有諸內者，必行諸外」，才更能體現舞蹈藝術的真善美。
舞蹈作為職業，是一條怎樣的路？
新加坡是一個特別重視經濟發展的社會，舞蹈不是主流的職業考量，也不符合家長對孩子的期待。我的學生當中就有很多跳得不錯，卻大多因為讀書關係而沒有繼續，這是很可惜的。
很多人都會以將來的就業機會作為考量，可我覺得，應該取決於自己的興趣，不要受環境的影響。只要堅持追求自己的夢想，總會找到發展的空間，更何況新加坡現在也開始注重藝術領域的發展，舞蹈事業還是有前景的。
各族舞蹈如何無縫結合？
在新加坡的多元環境，難免會有不同民族舞蹈的融合，基本上跳的都是民間舞蹈，而不是宮廷舞蹈。不同的舞蹈有不同的體系，而且舞蹈一直在發展中，而民族舞蹈的每一個動作都有其意涵，除非是由專業的教師親自指導，否則不好隨意更改。
我排《龍牙門》的時候，節目涉及其他民族舞如馬來舞、印度舞等，我都是請他們的教師來教，即便要改也請他們來做。一來會比較純正，二來則是對其他民族的尊重。
跨界演出會帶來怎樣的挑戰？
跨界表演最難拿捏，主要是以舞蹈為核心，其他的藝術都是提取精華在適合的時間點呈現恰當的融入。
跨界是以一種新的方式去傳承文化的藝術，不同的藝術形式可以產生一個微妙的化學作用，例如與武術結合，可以增加舞蹈的力度。與文學結合，將加強舞蹈的內涵，發人深思。
在疫情期間，我將詩人梁文福當時寫下的疫情詩文融入舞蹈，表達了對疫情蔓延的情感憂思，詩和舞蹈互相呼應，相輔相成。
本地觀眾都很喜歡這個跨界的多元表演，但在中國，則接受純舞蹈的形式居多，每一個國家的觀眾喜好都不同。
傳統與創新，如何取捨？
今日的創新，就是明日的傳統。如果一直因循著傳統，就對不起舞蹈的發展。
藝術不是科學，沒有一定的標準，不一定非要按照一定的形式去呈現。我不是說傳統不好，傳統不代表老舊，反而是一種讓大家不要丟失的文化魅力。但是，傳統亦要不斷地創新，這樣藝術才會歷久彌新。
所謂的創新，很多時候是在舊的基礎上提煉出新意，創作出自己的風格。所以，創新與傳統之間必須取得一個平衡。
致敬前人的作品，一定要在尊重原作的基礎上加以豐富，而不至失去原來的精髓，絕對不是隨心所欲胡亂改動。
最近，我整理過去30年演過的劇本，交由新人重新編舞，我也請原創者提供意見，這麼一來「新」作品就融入兩個人的構思與創作，這就是忠於傳統的創新。從另一個角度看，也可視為兩個世代之間的藝術傳承。
在外國月亮特別圓的群眾心理下，本地舞者如何培養起文化自信？
欣賞別人，做好自己。
以台灣的林懷民為例，他創辦了「雲門舞集」，為台灣第一個當代舞團。舞團紮根台灣，享譽國際，被視為世界一流的現代舞團。他的作品並沒有特別去迎合國際觀眾的口味，相反地，在他們的舞蹈作品中，有不少是反應台灣歷史與社會變遷，例如《薪傳》《流浪者之歌》《水月》《行草》等。
他們每年輪流在各城市演出，從縣市文化中心到鄉鎮學校禮堂，都有他們的足跡。移師海外，同樣叫好叫座。他們的成功之處是讓舞蹈走進民眾的生活。他們的作品對台灣人而言是兩三代人的共同記憶；對海外觀眾來說，是一種流動、跳躍的台灣標記。
好的作品都是時代的鏡子，與你生長的地方息息相關。我不否認一些文創發達的國家掌握了很多的主導性影響力，但外國的月亮不一定全是圓的，其中也有不少糟粕，我們要有智慧地吸取他人之長，創作屬於自己的東西。
最重要是將自身的專業基礎打好，多觀摩別人的演出，多拓展人脈，以一種積極和努力突破的心態，建立自己的風格。
舞者由內至外的氣質，會散發出舞蹈藝術的風采與魅力，可讓更多的人賞識舞蹈，進而推廣舞蹈。
（圖：iStock、受訪者提供）
